Historia completa del Rock N' Roll

 
Rock'n'Roll 1951-57 

La lista de pretendientes el título de la primera canción rock'n'roll (no solamente un título referenciando el acto de "rockear"empieza con The Fat Man (1949), grabada por Antoine "Fats" Domino , un intérprete de Nueva Orleáns, el cual ciertamente sonaba como una nueva clase de boogie. El hombre quien es comúnmente acreditado con inventar el término "rock'n'roll" es un disc-jockey blanco de Cleveland, Alan Freed, quien en 1951 decidió especular en el éxito de la tienda de Leo Mintz y empezó un programa de radio, "Moondog Rock'n'Roll Party", que transmitía música negra para una audiencia de adolescentes blancos. Otros disc-jockeys blancos habían hecho y estaban haciendo lo mismo, pero fue el entusiasmo de Freed por la música negra que se volvió contagioso. Ese mismo año Rocket 88 (1951) de Ike Turner fue definitivamente rock'n'roll. Y ese mismo año Gunter Lee Carr grabó la novedad bailable We're Gonna Rock. Por consiguiente, todo mundo estaba "rockeando". Desafortunadamente, la mayoría eran negros, es decir distribuidos sólo localmente. 

La industria disquera era consciente que una nueva música estaba siendo creada por los negros, e intentaron explotarla con Bill Haley. Su éxito probó que había una audiencia para esa música, y era una audiencia desesperada por cualquier cosa que tocará esa música. 

Los blancos tenían el dinero, pero los negros estaban haciendo la música más emocionante. Esto creó un nicho para las disqueras independientes grabando artistas negros para la audiencia blanca, pero nunca se convertiría en un mercado de masas. Los Estados Unidos seguían siendo principalmente un país dividido racialmente. Había pocas oportunidades para que un cantante negro se volviera tan popular como, digamos, Frank Sinatra. Cuando Sam Phillips fundó Sun Records en Memphis (Tennessee), hizo la famosa declaración "si pudiera encontrar un hombre blanco que cantara con el sentimiento negro, haría un millón de dólares". 

El 1952 un cantante blanco, Bill Haley, formó The Comets, el cual podría ser considerada la primer banda de rock'n'roll. 1952 Es también el año en que el programa de TV de Bob Horn "Bandstand" (el cual en 1956 se convertiría en "American Bandstand" de Dick Clark) salía al aire desde Filadelfia al mediodía del lunes a viernes; y el año en el cual Alan Freed (ahora más famoso como "Moondog" organizó el primer concierto de rock'n'roll, "Moondog Coronation Ball". Y el año en el cual la primer canción de rock'n'roll entró en las listas de éxitos de Billboard fue Crazy Man Crazy de Bill Haley en 1953. Al mismo tiempo, Sam Phillips estaba grabando el primer disco de Elvis Presley en su estudio Sun, usando dos grabadoras para producir el efecto de retraso de audio llamado "slapback" que se convertiría en el sonido típico del rockabilly. 

Naturalmente el rock'n'roll no era el único que sucedía en escena musical estadounidense en los años de posguerra. El sentimiento de euforia era contagioso. Hank Williams alcanzó la cima de las listas de música country en 1949, y transformó la música country en un arte serio. Howling Wolf (de Memphis) y Joe Turner (de Kansas City) estaban popularizando el estilo agresivo del blues de los "shouters". En 1952 Roscoe Gordon, un pianista de Memphis, inventó el ritmo "ska" con No More Doggin'. Hard Times de Charles Brown (1952) era el primer éxito de Jerry Leiber y Mike Stoller que entrara a las listas de éxitos, y marcó el inicio de una nueva era para la música pop. Crying in the Chapel de The Orioles (1953) fue el primer éxito negro en alcanzar la cima de las listas éxitos de la música blanca. El año siguiente vio el auge de una nueva clase de armonía vocal negra, doo-wop, inaugurada por Earth Angel de Tthe Penguins (1954) y por Only You de los Platters (1955). 

Las innovaciones técnicas prepararon el terreno para las innovaciones estilísticas posteriores. En un 1952 Gibson presentó su guitarra eléctrica de cuerpo sólido, inventada por Les Paul unos años antes, y el año siguiente Leo Fender introdujo la guitarra Stratocaster (que él había inventado en 1950). Mientras tanto, desde 1951 las primeras máquinas tocadiscos automáticas que tocaban disco de 45 RPM habían empezado a circular en cada rincón de los Estados Unidos. 

En 1954 todas las compañías disqueras cambiaron de 78 RPMs a 45 RPMs: el 78 RPM estaba muerto, y 45 RPM vino a simbolizar una nueva era de prosperidad y diversión. Ese mismo año una compañía electrónica japonesa, TTK (que más tarde se llamaría Sony), presentó a lo último que faltaba para convertir la música popular en un lenguaje universal: el primer radio de transistores en el mundo. El nuevo, más barato gramófono y los radiosportátiles causaron una revolución musical por sí mismos en la forma en que la gente (especialmente los más jóvenes) escuchaba la música. Las masas ahora eran capaces de escuchar la música cuando ellos querían y donde ellos querían. 

Rock Around The Clock de Bill Haley (1954), escrita en 1953 por James Myers y Max Freedman (ambos blancos) para un grupo boggie, fue la primer canción de rock usada en la banda sonora de una película. Bill Haley era el menos prometedor "ídolo adolescente" (tenía casi 30), y esa canción sonaba como un número novedoso, no un himno revolucionario, pero fue la canción se convirtió el rock'n'roll en un fenómeno nacional. Dos películas de 1955, "Rebel Without A Cause" y "Blackboard Jungle", establecieron un nuevo modelo para imitar para los adolescentes: el solitario rebelde y a veces delincuente juvenil (no exactamente el modelo que los padres habrían querido para ellos). 

Musicalmente, el evento real de 1955 fue la primera sesión de grabación de Chuck Berry. Sus canciones fueron las primeras que tenían la guitarra como "el" instrumento principal, e introdujo la doble traba pentatónica descendiente (la esencia de la guitarra roquera). Su música era el punto de reunión de la técnica de guitarra de T Bone Walker, la clínica vocal de los "shouters" y el ritmo del boogie-woogie (con ayuda de su pianista Johnnie Johnson). Sus canciones también contaban una historia con la cual los adolescentes se podían asociar, quien enfatizaba el conflicto generacional, he insinuaba temas tabú tales como el amor adolescente, notablemente en School Day (1957) y Sweet Little Sixteen (1958). Él empezó el proceso de transformar los asuntos de una generación joven en mitología. Los riffs de sus tres obras maestras, Roll Over Beethoven (1956), Rock And Roll Music (1957) y el mitológico Johnny B. Goode (1958), electrificaron a millones de muchachos blancos. Por último pero no menos importante, sus canciones eran... "sus": Berry fue el primer mayor compositor de rock'n'roll (no sólo un intérprete). Pero Berry era negro, y los negros no tenían la misma difusión como los músicos blancos. Permaneció como un ídolo de culto. 

En la misma ciudad y en el mismo año, otro músico negro, el bajista de Chuck Berry, Bo Diddley (nacido como Ellas Bates, criado como Ellis McDaniel), inventó el ritmo "hambone" (un ritmo boogie sincopado), que se escuchaba a la África tribal y dio canciones como I'm A Man (1955), el ominoso Bo Diddley (1955) y Who Do You Love (1955) llena de suspenso, calidad siniestra e hipnótica. El album Bo Diddley (1957), Mona (1957), Love Is Strange (1957), escrita para Mickey (Baker) & Sylvia (Robinson), Dearest Darling (1958), típica de su acercamiento diabólico a lo místico, el proto-rap Say Man (1959), la novedad Road Runner (1960) combinaron primordialmente energía y buen humor. Él también fue pionero del formato blues-rock con los cuatro sesiones extensos de Two Great Guitars (1964), una colaboración con Chuck Berry. 

El rock'n'roll estaba desde luego más relacionado con el rhythm'n'blues quien la música country. El rhythm'n'blues de Chicago se transformó naturalmente en rock'n'roll con músicos negros tales como Chuck Berry y Bo Diddley. 

Si Berry inventó el tipo de rock'n'roll que regiría por los siguientes 50 años, otros asentaron las bases para las distintas variedades de rock'n'roll. Quizás el mas influyente en las futuras generaciones fue el tipo de rock'n'roll que surgió de la música gospel. En Nueva Orleáns un cantante y pianista llamado Esquerita (Eskew Reeder) forjó un estilo salvaje de tocar y cantar que fue popularizado por el vocalista y pianista de Nuevo Orleáns "Little" Richard Penniman. Ellos interpretaban como animales, y agregaban otro nivel de provocación: ropas y maquillaje facial que eran obscenos. Esquerita y Little Richard inventaron el rock decadente. Las canciones frenéticas de Little Richard en aquella época (básicamente impulsadas por la batería de Earl Palmer) permanecerían como los especimenes más histéricos del rock'n'roll hasta el punk-rock: Tutti Frutti (1955), Long Tall Sally (1956), Rip It Up de Bumps Blackwell (1956), Lucille (1957), Keep A-Knockin' (1957), Good Golly Miss Molly de Bumps Blackwell (1958). Larry Williams (también de Nueva Orleáns) fue un clon de Little Richard: Short Fat Fannie (1957), Bony Moronie (1957) y Dizzy Miss Lizzie (1958). 

El sueño de Sam Phillips se haría realidad cuando conoció a Elvis Presley. Presley vino al convertirse en la primer gran estafa del rock'n'roll, y el prototipo para los que le seguirían. Sam Phillips había encontrado a su nombre, y quitando lo con una sección de ritmo genial (Bill Black en el bajo y Scotty Moore en la guitarra), y procedieron a lanzarlo al mercado como el delincuente juvenil que no era. En los Estados Unidos divididos racialmente, Presley se convirtió en el mas grandes ladrón de éxitos negros: That's All Right Mama de Arthur Crudup (1954), Good Rockin' Tonight de Roy Brown (1955), Mystery Train de Junior Parker (1955). Empezó a moverse hacia material "más blanco" con Blue Suede Shoes de Carl Perkins (1956), con Frederick "Shorty" Long en el piano, Heartbreak Hotel de Mae Axton (1956), quizás su obra maestra vocal, Hound Dog de Leiber & Stoller (1956), pero su alma negra emergería en Don't Be Cruel de Otis Blackwell's diptych (1956), su mayor éxito, y All Shook Up (1957). Jailhouse Rock de Leiber & Stoller's (1958), finalmente un boogie irreverente, fue su canto del cisne. Presley el roquero acabó ahí: se convirtió a los cantos dulces y melodías operísticas tales como viejas canciones italianas, y para especialistas en los números de seducción tales como Love Me Tender (1956, robado de la banda sonora de "Rancho Notorious", y Can't Help Falling In Love de Hugo (Peretti) y Luigi (Creatore) (1961, a reescritura de Plaisir d'Amour de Giovanni Martini). 

El éxito de Presley fue importante para permitir que cientos de chicos interpretaran la música de los negros. Los roqueros blancos eran finalmente tolerados, y aún promovidos por las principales compañías disqueras. Éstas compañías (o, mejor dicho, la producción de Sam Phillips) definieron el "rockabilly", un estilo en el cual los cantantes cantaban en una forma tartamudeante y como si tuvieran hipo, acompañados por un grupo pequeño de bajo batiente y guitarras frenéticas, mientras todo estaba capturado usando dos grabadoras para crear el efecto de retraso de audio "slapback". Las canciones de rockabilly eran la simulación de una explosión de lujuria. 

Entre los primeros roqueros blancos, Jerry Lee Lewis era, por mucho, es más fiel al estilo salvaje los roqueros negros. Whole Lotta Shakin' Goin' On de James "Roy" Hall (1957) y Great Balls Of Fire de Otis Blackwell (1957) acuñaron un estilo de canto sicótico que formarían la historia de la música rock (no como Presley, que formaría la historia de la música "easy listening" y acuñó un estilo maniático en el piano que era tan furioso como los riffs de guitarra de Berry. 

Otros notables roqueros blancos (todos basados en Memphis a menos que se indique) fueron Carl Perkins, el cantante de rockabilly estereotípico, que escribió Blue Suede Shoes (1956) para Presley; Wayne "Buddy" Knox de Rhythm Orchids, un tejano que escribió Party Doll (1956) para su amigo Holly; Gene Vincent (Craddock) de los Blue Caps, un auténtico rebelde de Virginia quien arrojó Be Bop A Lula (1956), reminiscencia Money Honey de los Drifters, y formó los Blue Caps, una de las primeras bandas de rock; Dale Hawkins de Louisiana, con su pantanosa Suzie Q (1957) era descarrilada por el solo de guitarra de blues de James Burton; Johnny Burnette, un compañero de escuela de Elvis Presley el cual su trío grabó Train Kept A-rolling de Tiny Bradshaw con uno de los primeros solos para guitarra distorsionada (por Paul Burlison); Charlie Feathers, con un estilo vocal que era el mismo tiempo sinsentido y virtuoso (Defrost Your Heart, 1955; Tongue Tied Jill, 1956); Albert "Sonny" Burgess de los Pacers, de Arkansas, uno de los más salvajes (Red Headed Woman, 1956); Billy Lee Riley, líder de la banda de casa de Sun y uno de los más conscientes del sonido (Flying Saucers Rock'n'Roll de Ray Scott, 1957, Red Hot de Billy Emerson); el hombre salvaje del oeste de Virginia y banda de un solo hombre Hasil Adkins (She Said, 1955; The Hunch, 1957; Chicken Walk, 1962); y Ronnie Hawkins (Mary Lou, 1959). Wanda Jackson en Los Angeles fue la "reina" del rockabilly (Honey Bop, 1956; Fujiyama Mama, 1958), y una de las primeras mujeres blancas en adoptar una postura provocativa y rebelde. El hecho que sus canciones no llegaran alas listas de éxitos no significa que fueran menos talentosos que Presley. Sino simplemente, ellos escribían las canciones que cantaban. 

 

Apareció una breve moda de "rock latino", con Come On Let's Go de Ritchie Valens (1958) y Hippy Hippy Shake de Chan Romero (1959), dos de las más frenéticas canciones del rockabilly. 

El límite de los roqueros blancos eran sus raíces en la música country. Su música era raramente tan poderosa y original como la música de los roqueros negros. Los roqueros negros que desarrollaron un estilo único incluían a Junior Parker, de quien Mystery Train (1954) fue la mejor boda entre el country y el blues, Richard Berry, un intérprete de doo-wop que escribió Louie Louie (1956) para sus Pharoahs (y lo canto en dialecto jamaiquino), Joe Turner, cuyo Shake Rattle And Roll (1957) permanecería como una de las canciones más frenéticas de todos los tiempos. Screamin Jay Hawkins, de Cleveland (Ohio), introdujo vudú en el rock’n’roll con I Put A Spell On You (1956) y cuyas bromas macabras de escenario virtualmente inventarían el rock gótico. Otis Blackwell, un compositor de canciones negro de Nueva Cork,es uno de los héroes no alabados del género: él escribió Fever (1955) para Little Willie John, Don't Be Cruel (1956) y All Shook Up (1957) para Elvis Presley, y Great Balls Of Fire (1957) y Breathless (1958) para Jerry Lee Lewis. El organista de jazz Bill Doggett tendió un Puente entre el blues y el rock'n'roll con la pista instrumental de importancia, Honky Tonk (1956), que de hecho enfatizaba la guitarra y el saxofón. 

Eddie Cochran basado en Los Angeles fue quizás el talento más grande de la segunda generación blanca, pero murió a los 22. Summertime Blues (1958) y C'mon Everybody (1958), en las cuales él cubrió todos los instrumentos y vocales, que se alejaban del rockabilly. 

El tejano Buddy Holly fue aún más que un "niño prodigio": el también murió a los 22, pero dejó atrás un cuerpo impresionante de canciones. El arquero radicalmente la imagen del rock'n'roll: usando lentes y ropa formal de secundaria, él representaba exactamente lo contrario a los delincuentes juveniles. Su niñez, su optimismo ingenuo contrastaron con el mundo sucio, mórbido de los otros roqueros. Sus letras alcanzaban al niño interno en cada adolescente: estaban hechas de trabalenguas onomatopéyicos y de balbuceos (sílabas, más que palabras, repeticiones tontas, rimas triviales). Su música era pegajosa, pero dispuesta con acompañamientos extraños (aplausos, tom-toms, celesta), destilado del blues, tex-mex, folk, pop y country. That'll Be The Day (1957) y Peggy Sue (1957), una canción de cuna infantil acompañada por uno de los más famosos golpes de tambor en la historia, fueron sus obras maestras del rockabilly, pero Words Of Love (1958), Everyday, It's So Easy y Well All Right ya pertenecían a otro género, una forma de ruido discordante, música melódica cabalgando en la línea entre folk y rock, y arreglado en formas creativas. De muchas formas, Holly fue el primero que los cantautores de la música rock. Último pero no menos importante, sus Crickets forjaron el estándar de la banda del rock: su alineación eran dos guitarras, batería y bajo; ellos escribían su material, y el sonido de sus canciones se apoyaba principalmente en su interpretación (no en músicos de sesión u orquestas). 

Despacio pero sostenidamente, esta nueva generación de roqueros blancos derribó las prácticas más arraigadas de la industria disquera. Primero, la guitarra destronó al piano. Segundo, los cantantes empezaron a cantar sus propias canciones. Desde el inicio de la industria disquera, los compositores de canciones profesionales habían escrito los éxitos para que los cantantes de pop los cantaran (y músicos anónimos para acompañar). Los roqueros negros, en cambio, escribían la mayoría de las canciones que ellos cantaban. Los compositores de canciones del pop eran pianistas principalmente: ellos componían una canción en el piano, y luego harían los arreglos orquestarles. Los roqueros negros componían en la guitarra, tal como los músicos de blues lo había hecho hasta entonces, y sabían muy poco acerca de otros instrumentos para arreglar sus composiciones para una orquesta (ellos usaban acordes mucho más simples). Así el rock’n’roll se convirtió esencialmente en un género basado en guitarra. Así la unidad natural de entrega del rock’n’roll fue el pequeño conjunto, en lugar de la orquesta. Así el rock’n’roll enfatizaba el ritmo, no la armonía. 

La guitarra pronto se convirtió en parte integral del carácter: mientras que los cantantes de pop solamente se las tenían que arreglar con micrófonos, de los roqueros se esperaba que mecieran una guitarra en frente de ellos (aunque la mayoría de los roqueros blancos no sabían como tocarla). 

También cambió lo que cantaban esos cantantes. Los compositores de las canciones pop siempre se había enfocado en valores y sentimientos universales: cada historia era un repaso de los temas eternos (amor, por ejemplo) de la literatura occidental. Los roqueros negros venían de una tradición que era más realista: el músico de blues cantaba acerca de la vida en la plantación, en la cárcel, en la calle, en el ghetto. Los roqueros negros continuaban esa tradición, excepto que ellos definían sus historias en un ambiente moderno que se conectaba con las experiencias de la juventud blanca de los Estados Unidos. 

El rock’n’roll era, de muchas maneras, el subproducto de cambios que estaban sucediendo en la sociedad estadounidense: educación de masas a través de un sistema público escolar (que puso a los muchachos en la misma comunidad en contacto diario entre sí), la amplia difusión de la radio, la máquina de tocadiscos automática y el disco de 45 RPM (que puso a los muchachos de vastas comunidades en contacto diario), el consumismo (que concedía a los adolescentes limitada independencia financiera de sus padres), mayor integración racial (que permitía a los muchachos blancos aprender las costumbres mas libertinas de los negros). La revolución sexual podría haber empezado antes que el rock’n’roll, pero naturalmente el rock’n’roll se convirtió en su banda sonora. El resultado neto de esos desarrollos favoreció que un género "clandestino" tal como el rock’n’roll empezara. En 1955 las compañías aplicaron las reglas capitalistas de mercadotecnia de masas a este nuevo producto, y ratificaron su existencia. El rock’n’roll fue, en consecuencia, una síntesis casi inevitable de la civilización estadounidense de los 1950s. 

El tono del rock’n’roll era naturalmente diferente del tono tradicional de la música popular. Los tonos sentimentales, trágicos y cómicos de la música popular se convirtieron (respectivamente) en eróticos, violentos y sarcásticos. Eso "era" una perspectiva adolescente del mundo. 

El rock’n’roll era revolucionario a muchos niveles. Se originó desde pequeños sellos independientes (más que en grandes corporaciones). Ridiculizó a las estrellas y los sonidos (y, indirectamente, el estilo de vida) de las instituciones comerciales. Tendió el puente entre público blanco y el público negro. Inventó la noción de una juventud rebelde. Estos fueron hechos desestabilizadores. 

Los puritanos estaban seguros cuando ellos se quejaban de que los roqueros (por apropiarse de las convulsiones de los desnudistas, la censura de los pervertidos, y el "salvajismo" de los negros) estaban incitando a los adolescentes masculinos a convertirse en criminales y las adolescentes en convertirse en prostitutas. Era su forma de descargar un sentimiento de independencia de una generación. 

A través del rock’n’roll, los jóvenes empezaban a buscar una identidad, un proceso que continuaría por décadas, paralelo a la evolución de la música rock. 

Ya había signos de descontento y discrepancia dentro de la sociedad capitalista blanca (los beatniks en literatura, por ejemplo), pero ellos no habían afectado a las masas. El poder "revolucionario" del rock’n’roll excedía por mucho cualquier movimiento político o cultural que lo había precedido. La música se convirtió en la fase final de un proceso anelástico: de enajenación social a enajenación musical a revolución musical a revolución social. La música se convirtió en algo más que entretenimiento. La música se convirtió en algo más que un lenguaje universal. La música se convirtió en algo más que un tablero de noticias. La música se convirtió en una herramienta revolucionaria para la juventud de los Estados Unidos. 

El rock’n’roll se extendió a Gran Bretaña, causando la primera opción en masa de un estilo musical estadounidense por las masas europeas. Los éxitos del rock británicos incluían: Rock With the Cavemen de Tommy Steele (1956), Move It de Cliff Richard (Harry Webb) (1958), escrita por su guitarrista Ian Samwell, Bad Boy de Marty Wilde (1959), Shaking All Over de Frederick "Johnny Kidd" Heath (1960), y especialmente Billy Fury, quien hizo el mejor álbum de rockabilly británico, The Sound Of Fury (1960). 

La popularidad del rock’n’roll causó que la industria disquera prosperara intermisión que los sellos independientes proliferaran. Entre 1955 y 1959, la participación de mercado de las cuatro "grandes" en los Estados Unidos cayera de 78% a 44%, mientras que la participación de mercado de las compañías disqueras independientes creciera de 22% a 56%. El mercado de los Estados Unidos se había incrementado de 213 millones de dólares a 603 millones, y la participación del mercado del rock’n’roll creció entre 15.7% a 42.7% en 1959. La excelente salud de la industria disquera era probablemente una razón de porque ellos seguían experimentando con el formato. En 1956 Elektra fue pionera en el disco de "recopilación", que contenía canciones por diferentes músicos, y en 1958 RCA introdujo el primer disco de larga duración estéreo. 

Como a todos los músicos se les permitió hacer más y más discos extraños, empezaron a saquear el repertorio del resto del mundo. En 1955 Pete Seeger lanzó el primer album de música Africana por un músico blanco, Bantu Choral Folk Songs, y en 1956 Exotica de Martin Denny crearon un nuevo género. El interés en la música hindú (hasta entonces desconocida mayormente en el oeste) se despertó por el concierto en Nueva York en 1955 del intérprete de sarod Ali Akbar Khan. El compositor mexicano Juan-Garcia Esquivel preparó música de salón super-kitsch, arreglando melodías extrañas y contrapuntos para instrumentos exóticos y cualquier cosa que tuviera un sonido inusual, desde theremins hasta clavecines. Como lo indica el título de su mejor álbum, Other Worlds Other Sounds (1958). 

El rock’n’roll era sólo la punta del iceberg. La música estaba cambiando en todos los niveles. The Chordettes de Mr Sandman (1955) fue el primer "grupo femenil". También en 1955, Ray Charles inventó la música "soul" con I Got A Woman, una adaptación secular de un viejo gospel. 

Primer estudio de grabación jamaiquino abrió en 1951 y grabó música "mento", una fusión de música bailable folclórica africana y europea. Al fusionar el ritmo mento y rythm’n’blues de Memphis, un nuevo género, "ska" se empezó a difundir en la isla. 

Tantos desarrollos paralelos no eclipsaron las formas tradicionales de música popular, la cual sequía dependiendo principalmente de los musicales de Broadway. Por ejemplo, el álbum más vendido de 1955 fue Love Me Or Leave Me de Doris Day, y el más grande vendedor del año siguiente sería Oklahoma de Rodgers y Hammerstein. Los muchachos todavía eran una fracción del mercado. El mismo Presley empezó a dominar el mercado sólo con las bandas sonoras de sus películas (de 1957 en adelante), y aún él fue eclipsado por el álbum del musical West Side Story de Leonard Bernstein (1962), que pasó 54 semanas en la cima de las listas de popularidad (un récord que ningún músico de rock rompería jamás). 

Mientras que la juventud de los Estados Unidos bailaba a un ritmo más rápido distaba siendo entretenida por cantantes revoltosos, la música clásica estará experimentando con sonidos aún más inusuales. Uno de los genios más subvaluados y excéntricos del siglo 20, Moondog, quien era un intérprete callejero ciego de Nueva York, inventó virtualmente cada género futuro de la música rock entre 1949 y 1956. La suite Music Out of the Moon de Harry Revel (1947), emitida como un juego de tres discos de 78 RPM, fue arreglada por Les Baxter para violonchelo, corno, coro y (principalmente) un theremin interpretado por Sam Hoffman, el nombre quien había debutado el instrumento en la banda sonora de las películas de Miklos Rozsa Lost Weekend (1945) y Spellbound (1945). Las bandas sonoras para las películas ciencia ficción de Louis y Bebe Barron The Bells of Atlantis (1952), y más tarde el más famoso Forbidden Planet (1956), empleaban únicamente instrumentos electrónicos. 

 

Los compositores de vanguardia estaban experimentando con "música de cinta", música computarizada, ruido, nuevos instrumentos tales como el sintetizador y el secuenciador. Indirectamente, este proceso llevó a redefinir la música de vanguardia: el lugar de ser privativo de compositores veteranos (y la mayoría europeos), se convirtió en un fenómeno relativamente común (y básicamente estadounidense). Por supuesto, los compositores seguían siendo educados en las escuelas más prestigiosas de música: pero su postura hacia la composición e interpretación se alejaba de la sala de concierto y se sacaba a la praxis de la música jazz. Los compositores de esta generación intentaron muchas (y diferentemente salvajes) vías experimentación, desde musique concrete hasta la síntesis electroacústica, pero compartían una creencia estética fundamental en el poder del "sonido", opuesto al énfasis tradicional en armonía y melodía. 

Por último pero no menos importante, en 1959 Ornette Coleman inventó el "free jazz". El impacto de esas ideas no se sentiría por décadas, pero eventualmente darían alcance a la música para guitarra, bajo y batería inventada por Chuck Berry. 

Esto no duró. Pronto, el elemento puritano que había sido central en la sociedad estadounidense consiguió acabar con el nuevo género. De hecho, haría por lo menos tres fuerzas trabajando en contra del rock’n’roll, a pesar de su éxito comercial: una fuerza política (los Estados Unidos estaban saliendo de la "cacería de brujas" de Joseph McCarthy pero el comportamiento ingobernable era fácilmente una sospecha de comunismo), una fuerza religiosa (el rock’n’roll, con sus obvias referencias al sexo, no era exactamente la clase de música que los devotos de la iglesia deseaban parar sus niños), y una fuerza racial (el rock’n’roll era claramente una invención negra, en una era que sería obsesionado con separación racial). 

El impacto del rock’n’roll se sentiría mucho después de que el último roquero se retirara o emigrara: los nuevos ídolos pop promovidos por el programa "American Bandstand" de Dick Clark (que era transmitido por 105 estaciones de televisión), eran más jóvenes, y le hablaban a una audiencia más joven. Pero el formato regresó a la canción melódica, romántica de los grupos locales, y la banda de guitarra, bajo y batería fue reemplazada por la orquesta de cuerdas. 

Esto no fue así en Gran Bretaña, donde ninguna de esas fuerzas era particularmente fuerte, y donde los músicos blues y jazz eran tratados como leyendas vivientes. La música negra se hizo muy popular entre los muchachos blancos de la clase media británica al mismo tiempo que estaba siendo olvidada en los Estados Unidos. De hecho, dos de los fenómenos de más influencia de los 1950s se originaron de esta pasión por la cultura afro-americana. Londres fue el centro de "trad" ("jazz tradicional", el cual procreó una generación de músicos blancos interpretando música negra, notablemente Alexis Korner. Rock Island Line (1955), cantada por Lonnie Donegan para el grupo de jazz del trombonista Chris Barber, iniciaron la moda del "skiffle", una especie de "música de jarra" (jug-music) melódica de ritmo rápido y exuberante interpretada con instrumentos baratos. (En dos 1920s, el "skiffle" fue usado por las compañías de discos estadounidenses para referirse a la música interpretada por los músicos que eran demasiado pobres para comprarse sus instrumentos, así que usaban tablas para lavar, kazoos y jarras). En el periodo de un año, haría que casi mil grupos de skiffle solamente en Londres, notablemente los Vipers (sobresaliendo el joven Hank Marvin) de Don't You Rock Me Daddy-O (1956) y Streamline Train (1957). 

1951: China se anexa el Tíbet 
1951: primeras transmisiones de televisión en color 
1951: se construye la primera computadora comercial, la Univac 
1952: primer operación de cambio de sexo (George Jorgenson) 
1952: el activista afro-americano Malcom X se une a la "Nation of Islam", convirtiéndose en la cabeza de la mezquita de la ciudad de Nueva York 
1952: un golpe militar tejido por Gamal Abdel Nasser en la república de Egipto 
1952: Gran Bretaña explota su primer bomba atómica 
1952: 73% de los coches del mundo son producidos en los Estados Unidos 
1953: Francis Crick y James Watson descubren el doble hélice del DNA 
1953: Hugh Hefner publica la revista "Playboy" 
1953: Corea es dividida permanentemente a través del DMV 
1953: Stalin muere y sucedido por Nikita Krushev 
1954: primer radio de transistores 
1954: guerra civil en Argelia contra Francia 
1954: El Viet Minh y Francia firman un tratado de paz que divide Vietnam en norte y sur 
1954: una fuerza rebelde entrenada por la CIA invade Guatemala 
1954: el senado de los Estados Unidos denuncia la "cacería de brujas" de Joseph McCarthy 
1955: el primer restaurante McDonald's abre cerca de Chicago 
1955: la primer conferencia en inteligencia artificial en Dartmouth College 
1955: Disneyland abre en Los Angeles 
1955: El rpograma cómico "Honeymooners" de Jack Gleason se transmite por televisión 
1955: una mujer negra, Rosa Parks, es arrestada en un autobús en Montgomery, Alabama, por negarse a ceder su asiento a personas blancas, y Martin Luther King organiza una huelga en su apoyo 
1955: la Unión Soviética forma el pacto de Varsovia para contrabalancear a la OTAN 
1956: Israel dan a una guerra contra Egipto e invade el Sinai y la franja de Gaza 
1956: Krushev denuncia los crímenes de Stalin en un discurso secreto en el Partido Comunista 
1956: tropas soviéticas aplazan un movimiento democrático en Hungría 
1956: Vietnam del sur rechaza el referéndum de unificación con Vietnam del norte y el Vietminh empieza una guerra de guerrillas 
1956: se vende el primer auto japonés en los Estados Unidos 
1956: "Howl" de Allen Ginsberg anuncia la "generación beat" 
1956: Robert Noyce y Jack Kilby inventan el microchip 
1956: los Estados Unidos explotan la primer bomba de hidrógeno en Bikini Atoll 
1956: la línea telefónica en Europa y los Estados Unidos descansan el fondo del Océano Atlántico 
1956: Fidel Castro y Che Guevara desembarcan en Cuba para luchar contra la dictadura patrocinada por los Estados Unidos de Fulgencio Batista 
1957: Little Rock, Arkansas ese sitio de una confrontación racial después de que a unos muchachos negros se les prohíbe entrar en una secundaria 
1957: la Unión Soviética lanza el Sputnik, el primer satélite artificial 
1957: Albert Sabin desarrolla la vacuna del polio 
1957: 4.5 millones de bebés nacen en los Estados Unidos (los "baby boomers" 
1957: India se anexa Cachemira 
1957: Italia, Alemania, Francia y otros fundan la Comunidad Europea 

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Rock de los 60's 

Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk. 

De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría. 

Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos. 

 A mediados de los 60's el mundo entero estaria liso para la revolucion mas importante de la musica moderna, el Hard Rock... 

En Londres un grupo de jóvenes fanáticos del Rock N Roll, cambiaron para siempre la música popular, ellos eran, John, Paul, George y Ringo, Mejor llamados "The Beatles", The Beatles fueron, son y serán, por lejos, los genios, los fundadores y la fusión del Rock N Roll con el Blues. No hay nada que decir de ellos, porque solo tenían virtudes, ningún defecto... 

En Inglaterra también un grupo de amigos amantes del Blues, formarían una de las bandas mas importantes de la historia, The Rolling Stones, todo comenzó cuando al guitarrista se le ocurrió en un sueño un riff muy particular, Satisfaction; esta canción lanzaría a los Rolling Stones a la fama.  
Al mismo tiempo un guitarrista de Blues llamado Eric Clapton formaría su banda, llamada The Yardbirds; The Yardbirds eran un grupo de Blues, que se vio influenciada con el ascenso de The Rolling Stones... Clapton asombrado por la poca seriedad del grupo, se vio obligado a dejar la banda. 

Cambien, en ese mismo año, surgió otra banda que fue influenciada por The Rolling Stones: The Kinks. The Kinks pudieron ascender gracias a su increíble canción "You Really Got Me", marcada por el Riff pegadizo de la guitarra, que sonaba como desafinada. 

Se acuerdan de Clapton?? bueno, él formo otra banda que juntaba a los 3 mejores musicos de Jazz y Blues de la historia, Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y Ginger Baker en la bateria. Sus altos egos llegaron a formar el Legendario Solo de guitarra, hecho cuando Clapton se veía obligado a agrandar su popularidad. 

En estados unidos un joven de raza negra llamado James Hendrix, quien luego se cambiaría el nombre por "Jimi", ascendía en el negocio con su virtuosismo en la guitarra. 

Mezclando todos estos personajes, The Who se convirtió en los revolucionarios con su canción "My Generation" que se adapta a cualquier adolescente entre 13 y 19 años, Mezclando el Ritmo de The Rolling Stones, la fuerza de Cream y el sonido de The Kinks; The Who se convirtió en una de las 3 bandas mas importantes de su década, junto a The Beatles, 

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Rock de los 70's 

"El sueño ha terminado". Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello. 

Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis. 

 

Led Zeppelin 
Con esos malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes. 

 El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria. 

 Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género. 

El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente. 

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Rock de los 80's 

Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones. John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado afuera de su departamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto. 

John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de 1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán "hasta que el infierno se congele" (cosa que "sucedería" en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente). 

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic...), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos. 

Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando. 

 Ante la desintegración de The Police quienes toman la estafeta son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otros. 

 Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década. 

Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vitalidad al rock: Guns N' Roses, que con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero. 

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Rock De Los 90's 

Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de computadoras fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical. 

Sin embargo, los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del género: Kurt Cobain.  

En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de lo 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general. 

De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema Smells like teen spirit y su disco Nevermind, pero también por su cantante, Kurt Cobaín, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison, Hendrix, Janis, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994. 

Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock. 

 De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco O.K. computer, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica. 

 La década cerraría con la presencia de grupos del llamado rap metal como Korn, Limp Bizkit, Deftones, Stain, P.O.D, que a pesar de tener una gran cantidad de seguidores, principalmente en su natal Estados Unidos, no pudieron competir con el pop adolescente de Britney Spears, Backstreet Boys, Christina Aguilera, 'N Sync y similares, que se posesionaría de las listas de venta. 

La llegada del nuevo milenio traería consigo otro resurgimiento del rock, con grupos como The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs, The Libertines, The Vines, The Hives, que retomando elementos musicales y estéticos de finales de los años 70 y principio de los 80 le regresarían la simpleza, armonía y actitud que había perdido este género que desde que nació estaba destinado a quedarse por siempre, y que ahora a sus 50 años de edad demuestra que sigue siendo un rebelde como en sus mejores años. 

         ESTILOS DE ROCK EXISTENTES

 

Arena Rock - También conocido como estadio de roca, arena roca es donde la comercialización de la música rock había llegado a su altura, llenando estadios con miles de fans de rock. Las bandas incluyen Corazón, Bon Jovi, KISS, Boston, Styx, Foreigner, el viaje y Aerosmith.

 

Rock Cristiana - A veces llamado Jesús de música, el rock cristiano de inicio en los Estados Unidos en la década de 1960. Algunos nombres incluyen Phil Keaggy y Bruce Cockburn.

 

Folk Rock - de inicio en la década de 1960 en los Estados Unidos. Algunos de los grupos e individuos son The Kingston Trío, The Mamas & The Papas, Bob Dylan y Cat Stevens.

 

Funk Rock - de inicio en la década de 1960, algunas de las bandas y artistas intérpretes o ejecutantes son Prince. Earth, Wind & Fire, Kool and the Gang, Sly and the Family Stone, Curtis Mayfield, Tower of Power, All White Band, y el famoso James Brown.

Glam Rock - Nacido en el Reino Unido en la década de 1960, Glam Rock o Glitter Rock obtuvo su nombre de la flamante ropa, maquillaje y peinados que las bandas y cantantes llevaban en sus interpretaciones o ejecuciones. Grupos e individuos incluyen David Bowie, Alice Cooper y Kiss.

 

Garage Rock - Garage Rock se inició en América del Norte en la década de 1960. Algunos de los grupos más populares son The Kingsmen de Portland, Oregon y Paul Revere and the Raiders de Boise, Idaho.

 

Grunge - Desarrollado en 1980 en Seattle, Washington área. Incluir grupos de Nirvana y Pearl Jam.

 

Hard Rock - Comenzó en la década de 1960 algunas de las bandas son como la nata, The Rolling Stones, The Yardbirds y The Who.

Heavy Metal - declarada a finales de 1960 y principios de los 70 en los EE.UU. y el Reino Unido. Algunas de las bandas son Metalica, Iron Butterfly, Led Zeppelin y Black Sabbath.

New Wave- se originó en la década de 1970 algunos de los grupos incluyen a Duran Duran, Eurythmics, The Cars y la Go-Go's.

Progresivo - de inicio en el Reino Unido y los EE.UU. en la década de 1960 y 70's. Bandas incluyen los Beatles y The Moody Blues.

Psicodélico - Influencia de las drogas escena con algunas canciones de las bandas y artistas intérpretes o ejecutantes son Country Joe and the Fish, Grateful Dead, The Doors, Jimi Hendrix y Jefferson Airplane.

Punk Rock - de inicio en Australia, Estados Unidos y el Reino Unido a mediados de los años 1970. Grupos de incluir The Sex Pistols, Ramones y The Clash.

Esta seccion del Rincon del Rock llego a ustedes gracias a MusicaRock.com (Derechos Reservados) \m/

Frases Equivocadas de Algunos Rockeros Famosos

 

Poison (1988): A quien nos llame maricones le pegamos una paliza y nos follamos a su hermana.

 

James Hetfield (1986): Nosotros nunca grabaremos un videoclip.

 

Txus (2003): Cuando algun miembro deje la banda, nos separaremos.

 

Steve Harris (1994): Blaze es el mejor cantante que ha estado en Maiden.

     

Dave Mustaine “Si hubiera seguido en Metallica ahora mismo seríamos más famosos que los Beatles” 

 

Lars Ulrich “Quería agradecer este Grammy a Jethro Tull por no haber sacado ningún disco este año” 

 

Gene Simmons “Yo Dios??? No, solo soy su mano derecha”  

 

Bruce Dickinson “No puedo echar a perder mi voz en una banda de los esquemas de Iron Maiden” 

 

Rob Halford “Jamás volveré a Judas Priest” 

 

Scott Ian“Grabaría un disco con Madonna”

 

John Bonham “Cómo no iba a meterme en el rock con un apellido así, ¿¿te imaginas de carnicero??”

   

Y. Malmsteem “El blues es aburrido” 

 

Lars Ulrich “Aunque usemos el mismo productor, Metallica siempre sera Metallica, no Bon Jovi, ni Mötley Crue” 

   

Dokken “Creo que George Linch esta colgado, creo que su cerebro no esta estabilizado”

     

Steve Tyler “Hubo una etapa en mi vida que me estaba metiendo una tercera parte de la economía colombiana por mi nariz”

   

Ace Frehley “Ni volvería a KISS ni me dejaría maquillar, por supuesto”

 

Dregen – Backyard Babies “Sexo drogas y Rock & Roll deben ir en su justa medida, si te pasas con el sexo toda tu vida girará alrededor de él y no habrá nada más, si te pasas con las drogas no podras hacer sexo ni R&R, y si te pasas con el Rock & roll acabarás haciendo cosas jodidamente anales como Dream theater"

 

Entrevistador: “¿Tienes algún problema con el alcohol?”

Ozzy Osbourne: ” Si, no encuentro ningún bar”

 

Glen Benton – Deicide “Me suicidaré a los 33 años.” 

   

Víctor García (antes de que apareciera el segundo álbum de Warcry.) “En nuestro próximo lanzamiento vamos a introducir elementos progresivos”

 

Varg Vikerness “El sistema penitenciario en Noruega funciona fatal. Te dan cama, ducha y no usan violencia ¡¡es ridí*********!! Les tuve que incitar para que me golpearan y les insistí en que me metieran en una mazmorra de verdad.”

   

Dave Mustaine “Prefiero que Hannibal Lecter se coma mis testiculos antes de volver a salir de gira con Motley Crue”

  

Para finalizar y antres que saques tus propias conclusiones, te dejamos con lo siguiente:

 

“Mis letras que las juzgue un literato o alguien que conozca de la materia. La gente tiene un coeficiente y cada uno se expresa con él Si alguien dice que algo es bueno o malo habrá que hablar con alguien que entienda. Cojamos a un poeta o un literato y que él juzgue las letras.” Ángel – Tierra Santa

 

Poema de Salvacion - "El Rock NO Es Cultura"  

 

Para quienes, por esas cosas del destino, hayan visto las producciones de un tal Paco del Toro, tituladas Punto y Aparte y Cicatrices, no les quedarán dudas de cuáles son sus intenciones y sus niveles de “transgresión”. Aún así, para quienes sí les resulte inspiradora esta “estética” de didactismo primario, llega una nueva lección. Poema de Salvacion cuenta, a modo de testimonio, la historia de Pablo Olivares, un músico cuyo trayecto de vida, por lo que anuncia el tráiler, es una condensación de clichés: El chico talentoso que por disfunciones familiares comienza a desviarse al “lado oscuro de la fuerza”, teniendo como carnada nada menos que el rock (pensé que ese afán de satanización sólo se había quedado por estos días en los foros sobre la gira de Metallica). Su progresivo descenso a los infiernos y su salida de él, a base de la religión, completan la moraleja. Ojo que, aunque el esquema sea manido, no quiere decir que no pueda ser efectivo. El problema es que todo parecer tender hacia el mensaje enfático y sin mayor afán creativo. Bueno, al fin y al cabo, ese tampoco parece ser su propósito. En todo caso, para los interesados, aqui tienen el trailer...